Recensione dell’Opera di San Francisco 2021-22: Don Giovanni 2021

Recensione dell’Opera di San Francisco 2021-22: Don Giovanni 2021

Recensione dell’Opera di San Francisco 2021-22: Don Giovanni 2021

La produzione estiva della commedia oscura di Mozart “Don Giovanni” dell’Opera di San Francisco ci offre molto di più di quanto potremmo mai chiedere a questo gioiello operistico.

Recensione dell’Opera di San Francisco 2021-22: Don Giovanni 2021

Dal battere di apertura, il direttore d’orchestra Bertrand de Billy ci ha guidato attraverso i colpi di scena e le svolte della trama con le uniche domande: tifaremo per la scomparsa del grande libertino? O rimpiangeremo la perdita di tutta quella vitalità? Riusciremo a rimuginare con le donne che sono state sventate dal suo gioco scorretto? O possiamo dire che sei stato troppo educato per non giocare?

Recensione dell’Opera di San Francisco 2021-22: Don Giovanni 2021

Questa terza parte della trilogia Mozart-DaPonte all’Opera di San Francisco, ideata dal regista Michael Cavanagh, ha portato ciò che era iniziato nel 2019 con “Le nozze di Figaro” ambientato in epoca coloniale, proseguito con “Cosi fan Tutte” nel 2021 (ambientato negli anni ’30), alla sua conclusione, qui con “Don Giovanni” nel 2022, fissata nel 2080.

300 anni di decadenza americana

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Lo scopo? Per mostrare l’America in un arco di tempo di 300 anni con la stessa casa americana del set delle tre produzioni. Il suo scopo è mostrare una narrazione sul declino e la caduta del mondo in cui viviamo attraverso i suoi eventi dinamici del periodo. Il team creativo dello scenografo Erhard Rom, della costumista Constance Hoffman e della lighting designer Jane Cox, ha plasmato le tre opere nella visione di Cavanagh di una storia unificata. Sebbene ogni produzione sia indipendente, la Trilogia che ne risulta dà un’espressione ponderata al volto della storia e all’uniformità degli appetiti umani. Anche la cosiddetta tecnologia avanzata non ha cambiato questi impulsi fondamentali. Attraverso i tabelloni del San Francisco War Memorial Opera House abbiamo visto l’ascesa e la caduta di questa vita mondiale in mezzo a una torre di bandiere americane, appetiti erotici umani lascivi e persone che seguivano ordini e impulsi per mantenere l’inquadratura intatta. Un ordine alto.

A seguito della pandemia e della chiusura della casa, i compiti di costruzione dei set per “Don Giovanni” hanno richiesto sei mesi anziché tre, secondo John Del Bono, caposquadra del negozio di scene di San Francisco. Probabilmente l’elemento scenico più notevole è stato il Busto del Commendatore che il regista Cavanagh aveva immaginato per il Finale. Era alto 24 piedi ed è composto da oltre 2000 libbre di polistirolo. Ci sono voluti 232 giorni uomo solo su quel progetto. Una nota speciale riguarda il modo in cui hanno prestato particolare attenzione a mantenere il risultato privo di adesivi e contaminanti in modo che l’intero pezzo sia riciclabile.

Recensione dell’Opera di San Francisco 2021-22: Don Giovanni 2021

Dall’inizio alla fine, “Don Giovanni” ha seguito quel copione. L’Ouverture, che Mozart scrisse apparentemente un’ora prima dell’esibizione di apertura nel 1787, era accompagnata da proiezioni di fumo e fiamme sul set che prefiguravano ciò che sarebbe successo. Figure sfocate, fumo vorticoso e nuvole in rapido movimento si intersecavano in un suggestivo lavaggio caotico. Non erano questi i colpi di scena della trama che stava per svolgersi? Senza dubbio – la seduzione di Donna Anna e l’omicidio di suo padre; le selvagge escoriazioni dell’abbandono di Donna Elvira; Le tentazioni di Zerlina? Poi c’era l’intercambiabilità delle persone attraverso l’apparenza. Don Giovanni e Leporello nel secondo atto, a Incontri sessuali di Don G con donne in tutta Europa, vale a dire 1003 nella sola Spagna. La storia era di indulgenza, sfruttamento e soddisfazione di fare ciò che vogliamo, che lo diciamo o meno. E poi mentire al riguardo. E ridendoci sopra. E andare avanti con pura energia attraverso lo spettacolo Incredible. Una o due donne di fila dietro di me risero felice nel secondo atto della follia delle donne intrappolate nella sua rete. Quella era la disumanità di quell’uomo per me? O da donna a donna? O era un’espressione di delusione o di gioia per il suo genere?

Constance Hoffman ha utilizzato un mix eclettico di costumi per rappresentare il futuro distopico nel 2080. Inoltre, ha tirato fuori una pagina dalle strade dell’iconica e colorata San Francisco, completa di un carrello della spesa pieno di cianfrusaglie che troviamo quotidianamente in Abbandonato o carri ancora utilizzabili sui nostri Corner; cappelli e giacche legati in vita, 18th cappotti tre quarti del secolo, accappatoi, jeans, abiti lunghi e corti. Sebbene solo apparentemente incoerenti, hanno abbinato la moda e l’atmosfera al contesto in evoluzione e nel tempo.

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L’illuminazione, particolarmente commovente alla fine del primo atto, e sicuramente durante il Finale Climatico, ha fornito contrasto e dinamismo entusiasmanti.

La Trilogia riflette ciò che il poeta irlandese WB Yeats dichiarò: “Il centro non può reggere./La semplice anarchia è spinta sul mondo / La marea offuscata dal sangue è sciolta”

Non importa quanto spiritoso, questa visione si è fatta strada attraverso la produzione, set inclusi.

Muscolo vocale e flessibilità a tutto tondo

Il Don è stato cantato con arguzia, scioltezza e brio civettuolo dal baritono canadese Étienne Dupuis, che ha anche interpretato la parte: affascinante, affascinante, pieno di astuzie cortesi su come portare una donna dove la voleva. Nel suo lungo cappotto romantico, Dupuis sgambettava sul palco con disinvoltura, cantando la sua auto-delizia attraverso le straordinarie melodie di Mozart. La flessibilità della musica che sale e scende secondo la moda e l’astuzia intelligente erano una combinazione perfetta. La musica si rinfrescava ad ogni turno e il piacere del Don di correre dei rischi. Anche se la sua stessa morte aleggiava su di lui – trascinato all’inferno tra fiamme, fumo e degrado ruggente – il Giovanni di Dupuis assaporava una “vita ben vissuta”, nel suo stile personale. L’abilità vocale di Dupuis corrispondeva a questa facilità fisica. Mentre i solisti e il coro inghiottivano con dispiacere per il suo Fato – la morte della loro calamita e nemesi – erano felici che non sarebbe stato più un problema nelle loro vite. Il Don li cavalcava tutti, come l’antieroe Mozart e Da Ponte volevano che fosse.

Anche Leporello, cantato dal basso baritono Luca Pisaroni, fu affascinato dal suo maestro. La scelta vocale e teatrale di Pisaroni si adattava perfettamente al ritratto che intendeva trasmettere – intelligente e pieno di spavalderia ma pur sempre un accolito di Don G. Il loro scambio mi ha ricordato una produzione straordinaria realizzata nel 2006, in cui Peter Sellars ha scelto il fratello gemello Singers in magliette muscolose e voci oscure memorabili come la coppia. Più facile illustrare l’idea in atto in tutta l’opera che una persona è intercambiabile con un’altra, piaccia o no, perfetta nella produzione di Sellars con i Gemelli. Ma Leporello non salta all’altezza o alla profondità del degrado del suo Maestro: ne era solo sbalordito, e questa versione di second’ordine di Don dell’umanità a un passo di Leporello, ha ulteriormente illustrato la tenuta del sistema di classe quando non lo facciamo attivamente lavorare per rovesciarlo. Comici e spiritosi di volta in volta, i due saltellavano sul palco, tuttavia, dentro e fuori le porte, e i pannelli del palco in salita e in discesa, con disinvoltura, sempre incantati dal trucco che stavano tessendo. Era subito qualcosa da assaporare ma mai da lodare. Dopotutto erano avventurieri, Casanova in abiti moderni.

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Masetto, cantato da Cody Quattlebaum al suo debutto in compagnia, e Don Ottavio, cantato dall’ex Adler Fellow dell’Opera di San Francisco Amitai Pati, hanno svolto i loro doveri di amante desideroso e malato, e successivamente si sono comportati come un uomo “buono” appropriato alla sua classe sociale . L’intero concetto di intercambiabilità basato sul genere piuttosto che sull’intera persona è stato anche qui rappresentato nelle loro caratterizzazioni più comuni. Non era uno come l’altro? Non eravamo tutti burattini nel gioco della vita?

Solo il Commendatore, la singolare voce del basso Soloman Howard, è uscito dall’inquadratura ed è stato in grado di consegnare la morale, cosa che ha fatto con consumata potenza.

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Quanto alle donne, Donna Anna è stata cantata dal soprano rumeno Adela Zaharia, anche lei al debutto in compagnia. Durante tutto il primo atto, il contenuto delle sue arie e dei suoi recitativi era incentrato sul lamento per ciò che ha sofferto – prima sedotta e poi lasciata senza padre – solo a poco a poco apprendendo che la sua autocommiserazione non era la fine della storia. La sua voce è salita a vette incantevoli con facilità e bellezza con buoni contrasti dappertutto. Con il secondo atto, scoperta che Don Giovanni era responsabile di entrambe le sue perdite, è passata all’azione e, così facendo, è diventata una donna che mirava a più amore e lealtà di quanto sembrava all’inizio. La sua adorabile Aria, “Non mi fit, bell’idol mir / che son io crude con te”, lo ha ampiamente illustrato. Alla fine Donna Anna andò oltre il proprio assorbimento autoindulgente all’amore genuino per il suo don Ottavio. Qui ha riversato il suo legato fluido in un’espressione struggente, piena di calore e colore.

Donna Elvira è stata cantata dal soprano australiano Nicole Car con un’ampia varietà di pirotecnica vocale e artigianato. Dall’inizio alla fine, la sua Donna Elvira rimase animata, attiva, fisicamente vivace. Ha cantato con grande flessibilità e colore, espressiva nel corpo così come nella voce – ha fatto perno; è corsa attraverso il palco; lei ballava. Ciò ha aggiunto una dimensione molto desiderata al movimento un po’ statico e meno simile a una danza, specialmente nel primo atto, nonostante il movimento delle persone da un lato all’altro del palco. La sua voce mantenne la sua cremosa lucentezza anche mentre inveiva e delirava quando iniziò a capire che mascalzone fosse il suo “amato” Don Giovanni. Mentre tutte le orecchie per l’Aria “Madamina” di Leporello, ha invocato la sua Furia e il suo timore reverenziale. I suoi fuochi d’artificio vocali erano più che soddisfacenti: erano euforici. Era difficile non mantenere tutta l’attenzione su di lei quando era sul palco, qualunque cosa stesse facendo.

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E Zerlina è stata cantata con slancio e grande fascino dal soprano Christina Gansch, saltellando e saltellando con disinvoltura in tutte le sue scene sia con i suoi compatrioti contadini che con il Don e il suo Masetto. La sua presenza scenica era eccezionale. Il suo “Batti, batti” esprimeva la “ingenua” contadina innamorata del suo Masetto. Ma al di là di questa confessione di fede più sincera, mostrò anche la sua attrazione per don Giovanni e il suo trattenersi principalmente per motivi che aveva ferito Masetto. Nonostante il loro comportamento “corretto”, Zerlina come Donna Anna, si è imbattuto solo come vittime quando in parte non lo erano. Quando ha legato Leporello sulla “sedia elettrica” ​​- era davvero presa, senza scrupoli, anche ad apprezzare il suo atto di scomparsa. Si aspettava da lui solo le buffonate ora scandalose. Non c’è da stupirsi che abbia attratto Don G. Ma mentre lui, a modo mio, è stato in grado di tirare fuori l’oscuro e lo sporco, Zerlina è rimasta la vivace eroina senza l’autocompiacimento assetato di sangue del nostro principale lotario. Il suo duetto con Masetto lo ha esemplificato al meglio.

La musica gloriosa di Mozart brillava sotto il Baton di Bertrand de Billy, come solo Mozart sa fare, gli strumenti dettagliano le caratterizzazioni con un tocco abile. L’orchestra di 51 elementi, tra cui il basso continuo e il mandolino, si è distinto perfettamente mentre una rosa si erge nel mezzo di un ricco giardino di splendidi fiori. Ha fatto emergere la magia mozartiana con suoni che stavano al di sopra e al di là di ciò che veniva drammatizzato sul palco, nonostante a volte una periodicità paziente e troppo metodica prevalesse sulla suggestione focosa e voluttuosa che animava l’intera partitura. C’erano gli arpeggi, il delicato orpello dei Venti, gli sbalzi di volume, l’ordine preciso e la spinta dinamica della musica – che gioiello completo, non importa quante volte lo ascolti, non importa quanto ascolti solo una frase o un intero atto – e ci siamo ritrovati a desiderare più potenza e più intensità. Tuttavia, non potevamo sfuggire all’Incantesimo delle melodie strutturate e ritmiche ad ogni turno.

Alla fine della produzione, tuttavia, siamo venuti via con un certo desiderio – forse un po’ più di erotico nel Don, e un po’ più di sensualità nelle scene di seduzione, più angoscia e credibile dolore e disperazione quando le cose non vanno per il verso giusto. modo e un’impennata più appassionata su come potrebbero essere le cose quando controlliamo i nostri desideri e agiamo di conseguenza.

Il “Don Giovanni” dell’Opera di San Francisco ci dà una pausa.

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